Falta de un Orgasmo Literario

November 22, 2013


Los Funerales de la Mamá Grande de Gabriel García Márquez 

            “Es que sus cuentos terminan con finales inconclusos,” dije yo y nadie entendió. El estudiante sentado directamente en la esquina frente a mí, giró su cabeza de inmediato, y con una mirada de confusión buscaba la explicación. La profesora también sonreía y buscaba apoyo entre las caras confusas de sus estudiantes. Más sin embargo yo en ese tiempo de clase en medio de tarde de invierno, no me podía explicar. Y era que la explicación no llegaría hasta haber leído Los Funerales de la Mama Grande, cuento final de la colección de cuentos que lleva por nombre este mismo título. Fue este último cuento que me ayudó a entender mejor al tal Márquez. Colombiano a quien le encantan los detalles, dictador de su propia creación literaria, entendedor de la sufrida América Latina.

            En esta colección de cuentos, Gabriel García Márquez crea un efecto menopáusico. Y es que el lector no sabe si glorificar al Márquez, o molestarse por la amplia cantidad de detalles que nos ofrece en los cuentos. Son detalles que nos ayudan a comprender de manera mejor el ambiente en el cual se desata la trama. Más son detalles—y lo digo con el temor de ofender a la experta de la literatura—que muchas veces aburren y distraen al lector de lo que realmente es importante para la conclusión del cuento. Al igual que la señora que a sus cuarenta y pico siente frio y de repente calor, al leer estos cuentos los detalles pueden llevar al lector a una sensación de agradecimiento, y de repente a un enojo con el autor. ¡Hay Márquez!

            Los muchos detalles simplemente ayudan a Márquez a crear cubículos ambientales de los cuales los lectores no pueden salir. En La Siesta del Martes, Márquez describe el vagón del tren en el cual viajan la madre e hija con tantos detalles, que el lector con buena imaginación puede llegar a ser el pasajero sentado detrás de la madre angustiada por la muerte de su hijo. ¡Y ya me contagió Márquez! Este inclusive nos hace saber sobre los montes por los cuales transita el tren, hasta incluso sobre “el aire estancado dentro del vagón [que] olía a cuero sin curtir.” ¿Y a qué huele el cuero curtido? Son los detalles marqueciano. 

            García Márquez nos invita a imaginar de manera ardua. Nos quita la ilusión de imaginar los mínimos detalles ambientales, ya que entiende que la energía creativa del lector debe de ser invertida en los detalles importantes de la trama. Y es que el día era lunes, había amanecido “tibio y sin lluvia,” así nos cuenta el marqueciano en Un Día de Estos. Todos hemos vivido un día lunes. Día en donde el cansancio del fin de semana—el cual se supone que sea para descansar y no pariciar sin descanso—nos arrastra a las labores cotidianas. Además, Márquez nos cuenta que el día estaba tibio, mas no con lluvia. Y es que hay que recordar que al menos que las nubes de jarina cubran al sol, el Caribe no disfruta de lo tibio. Estos mínimos detalles nos permiten ver la razón del estado de humor del dentista. Este tiene una actitud molesta frente a su hijo y el alcalde. Puede que la resaca del domingo todavía lo agobie, o que simplemente el hecho de que el alcalde lo visite le moleste. Ahí es donde Márquez nos permite elaborar con nuestra imaginación. No podemos inventarnos días, y el estado del tiempo, más sí crear las conexiones entre los detalles, los personajes, y la trama en sí.  

            Márquez una vez más nos inunda de detalles en Los Funerales de la Mama Grande, en donde el lector tiene que dedicarse a imaginar los mitos e irrealidades que nos presenta el colombiano. Entre fiestas extremadas, una señora grande casi creída de ser inmortal según un pueblo, y tanto poder como para que el gobierno le tema, García Márquez ayuda al lector a lidiar con los detalles de tan inmensa trama. Los detalles ambientales son de Márquez para decidir, y las conexiones para el lector trazar.

            Los cuentos de Márquez en esta colección no tienen finales conclusos. Y es que la conclusión de todos está en el último cuento de La Mamá Grande. En La Siesta del Martes el cuento termina con la mamá sufrida “tomando la niña de la mano y saliendo a la calle.” El material importante del cuento se encuentra en su clímax, y la conclusión es simple, dejando al lector con un sabor a “¿…y entonces?” Lo mismo se repite en Un Día de Estos, en donde el punto principal del cuento sucede en sus extrañas, y la conclusión sólo muestra el diálogo entre el alcalde y el dentista a manera de que éste sale de la oficina. En Rosas Artificiales, el final es mucho peor, ya que no hay conclusión, mucho menos cierre de cuento. Esta trama entre una abuela y su nieta termina con un simple “…es que estoy loca [y no me mandan para un manicomio].” El cuento final de Los Funerales de la Mamá Grande “disque” tiene final, pero no realmente. En este, Márquez cierra la trama con lo que podría ser una moraleja que se conecta con todos los detalles el cuento.

            El marqueciano escritor fabrica intensos detalles en sus cuentos. Detalles que muchas veces ayudan al lector a comprender la trama mejor, pero que muchas veces jartan, como diría el buen dominicano. Este es simplemente un dictador de sus creaciones, lo cual permite que el lector se enfoque mejor en las conexiones entre los detalles y la trama. Más sin embargo nos entristece con sus finales inconclusos. Márquez sube al lector hasta un clímax y lo deja esperando al final. Y es que la literatura debe de ser como un orgasmo, subir, subir, y subir, hasta llegar, para terminar feliz.           

 

El Rulfo mexicano, un Tal Juan

November 22, 2013

Juan Rulfo, Escritor hispanoamericano único, con cigarrillo en la mano, de labios secos, en conversación nocturna en la España del viejo mundo

Tenemos que hablar del Rulfo mexicano, aquel fiel defensor de una clase oprimida hispanoamericana. Un tal Juan que a través de sus obras literarias ha captivado el corazón y la conciencia de sus lectores. En sus obras rufianas, expone un humor negro (Anacleto Morones), al igual que un humor parecido al que expone la también mexicana Elena Poniatowska en Las Lavandera. De igual forma, Rulfo escribe con un sentimiento pesimista, de venganza, deprimente y de desesperanza. Al mismo tiempo, este comparte con el lector un sufrir de muerte, distintas imágenes, y similitudes que ayudan al desenvolvimiento de la trama. Juan Rulfo-hispanoamericano que con un cigarrillo en la mano, unos labios secos, y una conversación de noche en la España del viejo mundo, se convirtió en un escritor único en su estilo. Estilo literario que proyecta la protesta de las injusticias sociales de un grupo, que nos introduce a la violencia de manera particular, al mundo real del siglo veinte-un mundo muy lejano del de Blanca Nieves-un estilo que le permite al lector simplemente formar parte importante del cuento.

A través de las letras, Juan Rulfo se ha caracterizado por defender a los pueblos que forman parte del instinto nacional, y que siempre han vivido en la pobreza, en la ignorancia y bajo dictaduras militares. A diferencia de Guillén en la Cuba de José Martí, Rulfo mas que defender a un grupo social, simplemente presenta una realidad cultural. Sus obras que son un realismo mágico, le enseñan al lector la vida de las personas pobres mexicanas a mediados del siglo veinte. Este es el caso de Nos han dado la tierra, cuento que presenta a un grupo de campesinos oprimidos por el gobierno. En Es que somos muy pobres, Rulfo presenta un cuento desde un ángulo oprimido económicamente. Una crisis económica que afecta al pobre principalmente. El resto de sus cuentos son igualmente caracterizados por la presencia de personajes pobres en contraste con una elite social hispanoamericana. Rulfo no lucha directamente por los pobres, Éste sólo presenta su realidad, permitiéndole al lector a formar conclusiones por sí mismo.

Aunque Rulfo es un escritor muy pesimista, y al mismo tiempo deprimente, este encuentra algunos espacios en sus cuentos para levantar una sonrisa al lector. Así se puede notar en el cuento Anacleto Morones. Este cuento relata la ficción irónica de un hombre que de carácter es un diablo, mas las mujeres de un pueblo lo quieren hacer santo. Las frases usadas por Rulfo en este cuento, al igual que las circunstancias en las cuales posiciona a los personajes crean un humor de alta inteligencia. Este humor es muy parecido al utilizado en años recientes por Elena Poniatowska, escritora mexicana que también relata los diálogos de mexicanos marginados. El humor que comparten Rulfo y Poniatowska es simplemente aquel que nace naturalmente. Y es que los diálogos y las acciones de las personas pobres, crean una especie de reacción humorística. Esto es dado a que estos personajes son muchas veces ignorantes y actúan sin importar ningún código de etiqueta y protocolo, o simplemente utilizan frases y vocabularios desconocidos para los más altos integrantes de la Real Lengua Española.

Juan Rulfo nació en la época próxima a la revolución mexicana. Estos eran tiempos muy violentos, de mucha desesperanza para una nación, y matanzas diarias. Rulfo quedo huérfano muy joven, criándose en un orfanatorio descrito por él mismo como “una casa de corrupción, en donde reinaba la soledad.” Las obras rulfianas pueden ser catalogadas como reflexiones directas de la experiencia juvenil del autor. Temas como el pesimismo, la desesperanza, el sufrir de muerte, la violencia, y la depresión reinan en las páginas de las obras de Rulfo.

El pesimismo se puede ver en el cuento Diles que no me maten, en donde un campesino que está a punto de ser asesinado le pide a su hijo que abogue por su libertad ante el acusador. Más sin embargo, el hijo rehúsa a salvar la vida de su padre y se empecina en decir que no hay manera de detener su muerte. El pesimismo también se puede notar en No oyes ladrar los perros, en donde tres personajes van en búsqueda de un pueblo. Uno de los personajes-el compadre-va caminando con la vista en dirección hacia donde se cree que está el pueblo. Dado a que es de noche no se puede ver mucho, el compadre no ve ninguna luz, ni oye a los perros-señal de que una comunidad está cerca. Este simplemente se niega a creer que el destino existe, y quiere devolverse.

Rulfo también presenta a sus lectores con tramas muy tristes, y por ende deprimentes. En No oyes ladrar los perros, se cuenta la historia del odio de un papá hacia su hijo que ya casi muere. En este relato Rulfo presenta un sufrir de muerte intenso, en donde un papá siente asco por el comportamiento inmoral de su hijo que al final del cuento muere. Lo mismo se puede notar en Diles que no me maten, cuento que presenta a un hombre que es asesinado y luego recogido por su hijo.

Los lectores de las obras rulfianas tienen la oportunidad de envolverse en los cuentos de una manera especial. Juan Rulfo tiene una técnica literaria detallista, llena de similitudes, metáforas, diálogos, y estrategias que permiten que el lector pueda crear imágenes de la trama presentada. En Nos han dado la tierra, el lector puede sentirse parte de la caminata de los personajes que se dirigen a las tierras que les han dado el gobierno. El grupo de campesinos caminan sobre un desierto caluroso, agrietado, lleno de polvo. Los detalles del ambiente permiten que el lector pueda sufrir imaginariamente la crujía de los campesinos.

Juan Rulfo es un escritor único por su habilidad para crear conexiones. En las obras rulfianas se pueden notar temas similares a los mencionados anteriormente, los cuales se conectan a los personajes de manera especial. Los cuentos de Rulfo no tienen un comienzo de un “hace una vez,” ni finales de “vivieron felices para siempre.” Rulfo empieza los cuentos con diálogos, y a veces lleva al lector del presente al pasado, al futuro y de regreso al presente. Pero siempre construyendo las conexiones que permiten que el lector nunca se pierda en la trama. Rulfo es igualmente un escritor especial por su manera de integrar al lector a los cuentos. Los cuentos rulfistas, que comienzan con diálogos entre personajes desconocidos para el lector, crean confusión en un principio, más inspiran a la intriga literaria del lector. El Rulfo mexicano permite que los personajes actúen por sí mismos, y no interviene ni para pedir crédito como escritor. Y es que así es él, un tal Juan, un personaje en sí mismo. Sus obras reflejan su pasado, su lucha por su presente, y su humildad-la cual disfruta con un cigarrillo en la mano, unos labios secos y conversación nocturna en la España del viejo mundo.

 

La vida de Manuel Álvarez Bravo: Un fotógrafo

January 9, 2012

Luisa Aguirre

11/10/11

 

La vida de Manuel Álvarez Bravo: Un fotógrafo

Manuel Álvarez Bravo era un fotógrafo famoso en México y es considerado ser uno de los más importantes artistas de Latinoamérica. En su vida, Bravo produjo muchas fotos de mexicanos durante la Revolución (1910-1920). Sus imágenes siguen siendo reproducidas por su creatividad.

Bravo nació  en la capital de México el 4 de febrero de 1902. Su padre y su abuelo eran artistas y ellos le presentaron a Bravo al mundo del arte. Su padre era un maestro y le encantaba pintar, sacar fotos, y escribir historias. El abuelo de Bravo pintaba retratos. Bravo solamente tenía ocho años cuando la revolución empezó y su impacto fue reflejado más tarde en su fotografía. Bravo podía escuchar disparos cuando estaba en la escuela, y cuando caminaba en las calles él veía muchos cuerpos muertos. La muerte es un tema importante que aparece en muchas de las fotos de Bravo. En una foto llamado “Obrero en huelga: asesinado” (1934) demuestra a un hombre joven matado por un tiro. La fotografía de Bravo empezó cuando él conoció al fotógrafo Hugo Brehme. Brehme le surgirió a Bravo que comprara una cámara y que empezara a mirar revistas de fotógrafos de los Estados Unidos. Este consejo cambió la vida de Bravo y es cuando su carrera en fotografía empezó. En los siguientes años Bravo se sumergió en su trabajo y experimentó mucho con su estilo. El ganó su primer premio en 1926 en una competencia de fotos. En 1930, Bravo dejó su trabajo en el gobierno y enfocó todo su tiempo a su fotografía. Algunos años después Tina Modotti, la novia de Bravo, fue deportada de México por su participación en movimientos políticos. Modotti dejó su trabajo en la revista Mexican Folkways para Bravo cuando fue deportada. Bravo usó su nuevo trabajo para publicar sus fotos y establecer su estilo. Bravo quería mostrar la violencia, la injusticia, y todas las emociones que muchos mexicanos sentían por su gobierno.“El ensueño” (1931), demuestra la tristeza de los mexicanos. Muchas de las fotos de Bravo son misteriosas y provocan mucho pensamiento. Bravo quería encontrar la identidad de México.

Después de trabajar para la revista, Bravo empezó a enseñar la fotografía a otros y estableció una compañía llamada Fondo Editorial de la Plástica Mexicana. Esta compañía publicó libros de artistas famosos en México.

Bravo finalmente recibió reconocimiento internacional en los setenta y muchas exhibiciones de su arte fueron mostradas. Bravo recibió muchos premios por su fotos y él siguió sacando fotos hasta su muerte. El tenía cien años cuando murió el 19 de octubre de 2002.

Bravo produjo más de 150 exposiciones y muchos piensan que su arte fue revolucionaria. Las fotos de Bravo expresaban las emociones de la gente mexicana y el sigue siendo un fotógrafo muy reconocido en el mundo.

El Museo de Bellas Artes por los ojos de una estudiante de la Historia del Arte

January 9, 2012

Haley Carloni

10 November 2011

 

En la universidad, mi nueva especialización es la historia del arte. Durante los meses pasados, no tenía ninguna idea de qué quería estudiar. Este año, mi segundo en la universidad, decidí sacar una clase de la historia del arte y me enamoré con el sujeto. Había oído muchas cosas malas sobre este sujeto: cómo era muy aburrido, se tiene mucho trabajo, no hay muchos trabajos para personas con un título en la historia del arte, etc. Pero para mí, la clase es interesante, me gusta hacer la tarea, y ahora yo sé que hay muchos más trabajos que creía para personas que estudian la historia del arte. Ahora me gusta ir al Museo de Bellos Artes para divertirme, y no siempre para hacer una tarea de la escuela. He llegado a ser una pazguata de la historia del arte.

Esta semana yo fuí al Museo de Bellas Artes para ver una de las nuevas exposiciones. Hay once que quiero ver antes de que salgan, como “Dress and Textiles in Africa,” “Two Masters of Fantasy: Bresdin and Redon,” “Around the World in Watercolor, 1860-1920,” y muchos otros. Cuando fuí esta semana, yo ví dos exposiciones: “Aphrodite and the Gods of Love” y “Degas and the Nude.” La primera es una hermosa exposición, con una estatua grande de la diosa Aphrodite en el centro del cuarto. No podría dejar de mirarla. También hay muchos jarrones, tazas, joyas, y tallados que representan a la diosa y a otros dioses del amor, como su hijo, Eros, y muchas imágenes eróticas. Es interesante porque las imágenes eróticas no son prominentes en muchas culturas, a excepción de la antigua cultura india. En estas imágenes, el amor y el erotismo son celebrados, y es muy diferente de la cultura moderna.

Por contraste, la segunda exposición que ví se llama “Degas and the Nude.” Degas era un artista que fue inspirado por los dibujos de otros artistas. Él copió los diseños de otros artistas y practicaba dibujando el cuerpo humano. Después de perfeccionar una figura, la dibujaba en otra colocación. Degas entendía el cuerpo humano, así sus dibujos eran casi perfectos. Muchos de los dibujos en la exposición, Degas hizo para practicar. Hay pocos dibujos o pinturas completados en la exposición. Hay una pintura que se llama “Scene of War in the Middle Ages, 1865” que me gustó mucho. Fue hecha de seis figuras en una escena de guerra. Cada figura está en una posición diferente. Dos se sientan en caballos, uno está en el suelo, y tres más tratan de proteger a sí mismos. En la exposición, se puede encontrar los dibujos originales de estas figuras que Degas usaba para practicar antes de hacer la pintura final. Es muy interesante.

Pues, estoy segura que no estás tan interesado en este sujeto como yo, pero soy felíz con mi decisión para estudiar la historia del arte. No me importa que sea dificil encontrar un trabajo con esta especialización. Estoy estudiando algo que me encanta, y creo que es más importante que todo.

Reseña de Flamenco desde Abajo

March 22, 2010

Jessica Lantagne

Isabel López Felipe Mato, Francisco Angel, Sara Salado, José Silva, Jordi Albarrán, y Diego Villegas se combinaron para formar un grupo de bailarines y músicos flamencos que fue increíble.La exposición del flamenco fue dirigida y fue coreografiaba por Isabel López y fue presentaba el 30 de noviembre de 2009. Con los bailes y las canciones el espectáculo fue una experiencia muy, muy buena.

Todo el espectáculo fue un gran contraste: un contraste de emociones, de los bailarines y sus movimientos, y los sonidos de la música- siempre estaba alta y luego tranquila. El flamenco empezó con música muy fuerte con sólo una bailarina (Isabel López) sentada en una silla en el medio del escenario- la escena es como la música, que puede despierta un dragón dormido, y en unos momentos Isabel vino a la vida y bailaba muy fuerte. En este espectáculo flamenco, la mujer tenía siempre un carácter muy fuerte con mucho poder.En la forma de sus bailes y sus emociones de los bailes Isabel López era una de las bailarinas más fuertes que vi. Isabel dio fuertes pisadas y palmadas que irradiaban en todo el teatro.

El principio del espectáculo fue increíble, pero todos fueron más buenos con cada baile, canción, o paso de bailarines. Los músicos tenían mucho talento y es evidente que tienen un amor grande por su música. Había mucha emoción en toda la música especialmente en las palabras de los cantantes Francisco Angel y Sara Salado- yo nunca he oído a un cantante que cantara con tanta pasión y fuerza como ellos lo hicieron. Es lo mismo con los guitarristas José Silva y Jordi Albarrán- su música de guitarra fue extraordinaria. El músico que fue el más increíble, sin embargo, fue Diego Villegas. Diego tocó la flauta, el saxófono, el clarinete ytambién la armónica con mucha aptitud y siempre fue una estrella en la música del espectáculo.Todos los artistas en este show flamenco fueron muy, muy talentosos.

En conclusión, la exposiciónfue increíble, y fue una experiencia que todo el mundo debería ver al menos una vez en su vida. Fue una gran combinación de maestría musical y detalle en el baile que era muy fuerte y estupenda. ¡Una palabra puede resumir esta experiencia de flamenco: increíble!

Reseña de Casa Patas: Flamenco from the Roots

March 22, 2010

Yarini Espinal

El lunes 30 de noviembre del 2009 a las cuatro de la tarde atendí la interpretación del baila flamenco que se origino en Madrid, España.El grupo que bailo se llamaba Fundación Conservatorio Flamenco “Casa Patas”.Estaba impresionada a aprender del bosquejo que recibimos al entrar a él C. Walsh Theater es que el grupo fue establecido en el año 2000 y es una organización que no beneficie de su acto.El meto de la fundación es ofrecer clases y conferencias para que los estudiantes verdaderamente aprendan el arte del flamenco y su significado.

Cuando compre me entrada en brownpapertickets.com para la presentación, pensaba que nada mas iba hacer el baile flamenco como yo ha visto en la televisión. Cuando finalmente vi el espectáculo quede sorprendida cuando el espectáculo tenía mucha más entrenamiento; no nada más bailando el flamenco. Estos artistas también tocaban la guitara (y otros instrumentos) y cantan con voces tan lida que de verdad lo siento en tu alma.En total el espectáculo fue bien variado y me sentí por el resto de la presentación como se yo era parte de esta cultura de España.Los personajes de Casa patas son talentosos y aclamados artistas.El bosquejo detallo que estos intérpretes del flamenco son bien populares y reconocidos en España y en otras partes del mundo.

La primera parte del espectáculo fue asombroso.El baile de flamenco fue presentado primero por la directora y coreógrafa de casa patas, Isabel Fernández López.El director de música se llamaba José Luis Silva.Me encanto que los otros personajes de Casa Patas estaban a tres de ella cantando y tocando la guitarra, hasta había uno de ellos que tocaba la harmónica.Primero Isabel comenzó el baile un poco al paso, pero con la música y las voces de los cantantes sus pies se movían más rápido con el ritmo que ellos estaban creando.Cuando ella bailaba nada mas pensaba yo “wow” cuanto ritmo tiene esta mujer y con cuanta actitud ella expresa en su baile.Además me encanto como ella usaba su vestido para ser diferentes señales con sus manos.Inclusivo, cuando ella bailaba hacia sonidos de ritmo con su boca que agrego el sentido de la música.

La parte del espectáculo que me gusto mucho fue la tercera parte cuando Isabel bailaba el flamenco con un caballero que bailaba las mismas pasas al lado de ella.El baile fue increíblemente lindo.El vestuario de el caballero y como el uso su chaquete en el baile fue tan tradicional.El caballero fue excelente en su baile del flamenco.Los dos estaban haciendo los mismos pasos a la misma vez.Fue de verdad increíble el ritmo que ellos estaban transmitiendo a la audiencia.

La presentación por Casa Patas me gusto mucho.La mujer que cantaba tenía una voz tan preciosa con tanto sentido.El elemento de los instrumentos, las canciones con el baile flamenco combinaron perfectamente.Me gusto como en diferentes partes se ponía más fuerte la música que resultaba en el baile siendo más fuerte también. Me gustaría ver otra presentación del arte de flamenco.Casa Patas hizo un trabajo extraordinario y yo como parte de la audiencia de verdad sentí el orgullo de ellos.

Casa Patas

March 22, 2010

 

Yarini Espinal

El lunes 30 de noviembre del 2009 a las cuatro de la tarde atendí la interpretación del baila flamenco que se origino en Madrid, España.El grupo que bailo se llamaba Fundación Conservatorio Flamenco “Casa Patas”.Estaba impresionada a aprender del bosquejo que recibimos al entrar a él C. Walsh Theater es que el grupo fue establecido en el año 2000 y es una organización que no beneficie de su acto.El meto de la fundación es ofrecer clases y conferencias para que los estudiantes verdaderamente aprendan el arte del flamenco y su significado.

Cuando compre me entrada en brownpapertickets.com para la presentación, pensaba que nada mas iba hacer el baile flamenco como yo ha visto en la televisión. Cuando finalmente vi el espectáculo quede sorprendida cuando el espectáculo tenía mucha más entrenamiento; no nada más bailando el flamenco. Estos artistas también tocaban la guitara (y otros instrumentos) y cantan con voces tan lida que de verdad lo siento en tu alma.En total el espectáculo fue bien variado y me sentí por el resto de la presentación como se yo era parte de esta cultura de España.Los personajes de Casa patas son talentosos y aclamados artistas.El bosquejo detallo que estos intérpretes del flamenco son bien populares y reconocidos en España y en otras partes del mundo.

La primera parte del espectáculo fue asombroso.El baile de flamenco fue presentado primero por la directora y coreógrafa de casa patas, Isabel Fernández López.El director de música se llamaba José Luis Silva.Me encanto que los otros personajes de Casa Patas estaban a tres de ella cantando y tocando la guitarra, hasta había uno de ellos que tocaba la harmónica.Primero Isabel comenzó el baile un poco al paso, pero con la música y las voces de los cantantes sus pies se movían más rápido con el ritmo que ellos estaban creando.Cuando ella bailaba nada mas pensaba yo “wow” cuanto ritmo tiene esta mujer y con cuanta actitud ella expresa en su baile.Además me encanto como ella usaba su vestido para ser diferentes señales con sus manos.Inclusivo, cuando ella bailaba hacia sonidos de ritmo con su boca que agrego el sentido de la música.

La parte del espectáculo que me gusto mucho fue la tercera parte cuando Isabel bailaba el flamenco con un caballero que bailaba las mismas pasas al lado de ella.El baile fue increíblemente lindo.El vestuario de el caballero y como el uso su chaquete en el baile fue tan tradicional.El caballero fue excelente en su baile del flamenco.Los dos estaban haciendo los mismos pasos a la misma vez.Fue de verdad increíble el ritmo que ellos estaban transmitiendo a la audiencia.

La presentación por Casa Patas me gusto mucho.La mujer que cantaba tenía una voz tan preciosa con tanto sentido.El elemento de los instrumentos, las canciones con el baile flamenco combinaron perfectamente.Me gusto como en diferentes partes se ponía más fuerte la música que resultaba en el baile siendo más fuerte también. Me gustaría ver otra presentación del arte de flamenco.Casa Patas hizo un trabajo extraordinario y yo como parte de la audiencia de verdad sentí el orgullo de ellos.

Reseña: El Arte y La Revolución en México

March 31, 2009

Por: Amy Chamberlain

Octavio Paz escribió el texto

Presentado por las películas para las Humanidades y las Ciencias

 

 

El arte ha cambiado por toda la historia y durante el período de la revolución de México el estilo del arte allá cambió. El Arte y La Revolución en México (1990) muestra el arte durante la revolución en México y cómo el arte y la revolución se apoyaron y alentaron. Antes de la revolución los artistas usaron el arte europeo como un modelo. Sin embargo, el arte es una manera de expresarse a sí mismo y durante la revolución los mexicanos lucharon por sus ideas diferentes. Las ideas diferentes pueden verse en el arte durante esta época. No hay una definición de arte porque hay muchos aspectos diferentes del arte y durante la revolución mexicana un nuevo estilo del arte apareció. El Arte y La Revolución es una película que muestra este nuevo estilo y las obras varias de los artistas durante la revolución.

 

La película pinta la historia de México por medio del arte. El nuevo estilo de arte que apreció en México fue los murales. La película habla sobre los tres muralistas del tiempo que fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Cada artista tuvo una técnica diferente para sus murales pero había algunas similaridades también. Por ejemplo, los muralistas usaban su arte para enseñarle a la gente sobre la historia de México y el esfuerzo que el país experimentó. Además los murales mostraron la vida diaria de los mexicanos, algunas de las escenas fueron optimistas como el arte de Rivera mientras que otras obras fueron pesimistas. Por ejemplo, escenas de la pobreza. La película muestra como el arte de este período capturó las emociones y los sentimientos de la gente. La película no solamente habla sobre los muralistas, habla sobre un artista del arte contemporáneo. Por lo general esta película es una guia del arte durante la revolución.

 

Esta película es muy educativa, es como un documental para el arte en el período de la Revolución en México. Por lo tanto, no hay una trama o un reparto. Sin embargo, Octavio Paz, quien escribió el texto, hizo un buen trabajo narrando la película. Algunos aspectos que son buenos de esta película son la música, las escenas del arte actual, y la entrevista con un artista. La música de esta película es excelente porque la música afecta al público. El público puede sentir el poder del arte por la música. Además, El Arte y La Revolución en México muestra el arte; por lo tanto el público puede comprenderlo que el narrador está hablado y la vida diaria y las emociones de los mexicanos durante la revolución. También, hay una entrevista con una artista del arte contemporáneo. Esta entrevista le da al público una perspectiva en el arte.

 

En conclusión, esta película es una película que yo recomendaría si quieres aprender más del arte de la revolución de México. No hay una trama o acción, por lo tanto en mi opinión es una película para educar y es una buena película por esto.

Visita al Museo de Fine Arts

December 23, 2005

Por: Kathleen C. Peña.

Como actividad extracurricular fuera del salón de clase, mis compañeros y yo fuimos enviados al museo de Bellas Artes de Boston por nuestra profesora de Español 302 Cultura Hispana II: América Latina. Una vez allí nuestra misión era ver la exhibición que hay sobre la América antigua, en especial la de los mayas y otras civilizaciones precolombinas. De camino al museo pensaba que vería entre las piezas algunos platos, vasos y algunas piezas de oro, como la que hemos visto en los libros, pero jamás me imaginé qué extensa sería la colección. Es increíble ver las piezas que nuestros antepasados utilizaron en su vivir diario. Es fenomenal, hay varias piezas que integran diversos grupos, no sólo los que utilizaban para colocar sus alimentos, pero para aquellos que disfrutan de la música, se puede apreciar los instrumentos que los indígenas usaban, como la flauta o las maracas hechas de hueso. Nuestro trabajo era relacionar las piezas que tiene el museo de estas civilizaciones pre-colombinas con lo que hemos aprendido en clase, y la verdad es que todo se relacionaba. Desde los vasos o figuras las cuales se utilizaban para retener substancia secas o mojadas, como el cacao o chocolate. En la artesanía se reflejan textos jeroglíficos o dibujos donde los indígenas contaban historias de su religión y creencias en lo sobrenatural. Las piezas elaboradas en oro son todas muy impresionantes ya que los indígenas de alto rango las utilizaban para adornar sus cuerpos. Es curioso cómo los adornos de oro que decoraban los cuerpos indígenas se hacían de acuerdo con animales que reflejaban él espíritu de los guerreros, como el de un jaguar agarrando en su boca el antebrazo de un humano. Todas las piezas cada una por sí solas son verdaderamente asombrosas. Cada detalle de cada una de las piezas merece nuestra atención ya que nos revela tanto de las civilizaciones meso-americanas. La admisión es gratuita si van con su identificación como estudiante de Suffolk, y por lo tanto vale la pena ir al museo y tomarse un tiempecito para disfrutar de esta colecci ón que tiene tanta historia que contar.

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